Museo Superior de Bellas Artes Evita

El Museo Superior de Bellas Artes “Evita”, localizado en la parte central de la ciudad de Córdoba, ofrece a su público un pantallazo general del arte local y extranjero, ofreciendo una cuidada y bien organizada exhibición permanente, que enriquece el valor arquitectónico tanto del interior de la casona como de sus parques aledaños.

Cada sala cuenta con una temática particular que permite al visitante reconocer las distintas formas de expresión que la variedad de artistas expuestos utilizó, exhibiendo retratos, paisajes, obras tradicionales, obras modernas y exposiciones temporales.

Las dos salas dedicadas a la Modernidad (Modernidad 1 y 2) llamaron mi atención en particular. En ellas se exhiben obras que permiten vislumbrar un marcado cambio de temática y de lenguaje, que se vuelven especialmente visibles gracias a la posibilidad de contrastarlas con las obras expuestas en las demás salas.

El paisaje y retrato prácticamente son abandonados para dar paso a una marcada abstracción, expresada no sólo a través de ciertas figuras sino también por la utilización de elementos geométricos y de obras tendientes a provocar en el espectador una especie de ilusión óptica mediante la superposición de líneas o formas geométricas.

En la sala Modernidad 2, podemos apreciar obras producidas en las décadas del ’50-’60, enmarcadas por la transformación propiciada por Industrias Kaiser Argentina (salones de artes visuales, Bienales) que permitió que el patrocinio privado comenzara a ganar importancia en el sistema artístico local. Estas obras, además de conservar la relación antes mencionadas, comparten también una temática: el hombre. En la primera parte de la exposición es posible apreciar una variedad de cuadros que muestran la figura humana desde distintas perspectivas, expresadas a través de diferentes materiales y diversas concepciones (collages, técnicas mixtas, pintura abstracta).

En conclusión, considero que el museo constituye una buena propuesta para el sistema del arte cordobés, que constituye con sus exhibiciones un espacio propicio para la apreciación de las obras y de la arquitectura así como provee con la información expuesta y la otorgada en las visitas guiadas, información para la reflexión.

Carla Pastorino

Videoarte: ¿arte?

Con el desarrollo tecnológico que el mundo ha vivido en las últimas décadas, parece lógico que también el arte ha girado hacia métodos de elaboración más importantes y progresistas. Como el arte es esencialmente una manifestación de la sociedad y la tecnología ocupa hoy en día un papel tan significante en la sociedad cotidiana, para que todavía poder llamar atención en lo que es el mundo “moderno” hay que recorrer a recursos más innovadores.
Pero con esa adaptación tecnológica y los desarrollos de los últimos tiempos, el rebote de las reglas tradicionales e institucionales de las “Bellas Artes,” parece que ahora aun mas importante la pregunta de ¿qué es arte hoy? ¿Cuál es lo que diferencia el videoarte del cine o de los documentarios? ¿Porqué algunos videos son considerados arte y otros no?
Podría tener que ver con el elemento de provocación que muchos artistas generan. Pero tan poco no todo videoarte hace eso. Por ejemplo, el video que mostraba gente en luna calle infundida haciendo surf detrás de autos, en realidad no hace mas que mostrar gente jugando. No hay ningún tipo de provocación. (No me parece que importa el lugar donde fue filmado). No parece que hay mucha labor detrás de la creación del video. No es un comentario social. Entretiene, pero también lo hacen eso mis propios videos que saco con mi cámara privada que sin embargo no están considerado arte. Tan poco no parece que es el hecho de proposición de la obra que lo transforma en arte. Tiene a ver con como lo recibe el espectador. Pero ¿cuáles son entonces los criterios del público?
El video de Christian Bermúdez llamado “Dear Neighbor” tiene un mensaje más fuerte y un pensamiento más elaborado detrás de la concretización de la producción. Puede ser que la meta de su video era más permitir la exposición de su “obra” fuera del barrio noruego en cual reside. En realidad, la casa pintada tan poco no es la obra. Lo artístico tiene más a ver con el hecho de la casa pintado y la reacción (o no-reacción) de los vecinos. Es un comentario social, una proposición de pensamiento. ¿Qué pasaría en Argentina si alguien decidiera pintar su casa de color fucsia? ¿O en EE.UU.?

En un paréntesis quería mencionar otro tipo de videoarte que es menos controversial en cuanto a que si sí o no puede ser considerado arte. Son videos animados que incluyen no solo un proceso de elaboración bastante extendido sino que además generan ideas interesantes con respecto a la vida, la humanidad, la sociedad. En particular, Nathalie Djurberg, una artista sueca, elabora el género. Hace videos que al empezar siempre parecen contar una historia inocente, aunque bastante rara, conveniente para niños. Sin embargo, rápidamente cambian de tono y se vuelven en historias con insinuaciones torpes y espantosos sobre los abusos que existen en la sociedad.

Nathalie Djurberg - Congelado de "Secret Hanshake"

Nathalie Djurberg - Congelado de "Florentine"

Con estos videos Djurberg pone en movimiento las pinturas y esculturas del pasado. Es un videoarte distinto del videoarte visto en el Centro de Cultura de España, pero es videoarte (aunque capaz es arte más “tradicional”).

Es además interesante notar que, al principio, ni siquiera la propia artista consideraba sus videos arte. Fue un amigo galerista que le sugirió que el único lugar donde estas producciones verdaderamente pertenecían y la única situación donde funcionarían era justamente en un museo.

Denise Fuglesang

La obra de José Ledda

José Ledda es un artista cordobés contemporáneo que ha logrado reconocimiento internacional, con particular excito en países europeos como Italia. Tiene exposiciones en varios lados de Europa, Estados Unidos y America Latina. En la provincia de Córdoba tiene obras expuestas en la galería de arte Cerrito, ubicada en el microcentro de Córdoba Capital que está abierto de lunes a viernes de 10 a 13 y 16 a 20:30 hs y los días sábados de 10 a 13:30 hs.
En el lugar están actualmente en exposición tres de las obras de Ledda: "El cruce" (acrílico 30x50cm), "Primera coche clase" (acrílico 30x50cm) y "La familia" (acrílico 120x180). Las obras demuestran el estilo característico del autor. Representan personajes gorditos en un mundo algo imaginario; muestran situaciones cotidianos cargados de fina ironía. También los títulos dan la impresión de que son obras comunes. La mayoría describen simplemente la situación representada, sin decir mucho más: "La solista," "Angelitos," "Los pasos," "El pórtico"… Aunque hay excepciones, con títulos más implícitos como por ejemplo "La ausencia de tito" que representa una cena de gente “honrada” o también "Desafinando," un acrílico figurando una orquestra de violinistas gordas, vestidas de azul. Cualquier sea el título, en cada obra, los personajes representados son todos gordos, de clase social avaramente alta, vestidos caramente, con rostros redondos y expresiones bastante neutros.
El autor parece hacer una crítica de la sociedad consumerista moderna donde empieza a aparecer epidemias de obesidad y de enfermedades relacionados con este.
Los cuadros dan la impresión de que son temas “desechos” del Rococó, como representan la alta clase de la sociedad en sus momentos de ocio; pero los personajes no son atractivos y las representaciones tienen un subtono satírico.

En el cuadro "La familia" se observa esto: representa una supuesta familia con dos hombres y tres mujeres. Los personajes masculinos se sitúan parados en la parte izquierda de la obra, mientras que los personajes femeninos están en la parte derecha, dos sentadas y una parada (se supone que la mujer parada es la madre, las sentadas las hijas). Aunque dos de las mujeres tiene vestidos de color (rojo y azul, la tercer está vestido de negro) los colores usados en la elaboración de la obra no son fuertes. Son bastantes sutiles y logran así añadir al ambiente “aburrido” que parece dominar el cuadro. Las expresiones de los personajes son neutras, y aunque hay cinco personas, no hay ninguna interacción representada. Parece que están posando para un artista que ha sido encargado de pintar el lujo y la riqueza en cuales viven. Así aparece la sátira: la escena representada no ofrece nada de deseable. La familia es gorda, fea, aburrida y aun no está disfrutando de su propia compañía. El lujo no les trae nada. Es una fuerte crítica de la clase alta.
La obra es un acrílico de tamaño 120x180cm. Está en venta.

Por otra parte, la obra hace recordar el pintor colombiano Fernando Botero, que también pinta y escultura personajes gordos con implicaciones muchas veces satíricas.



Galería Cerrito - Información de contacto:
Dirección: Independencia 180
Teléfono: 351-5980381
Email: info@galeriacerrito.com
Página Web: http://www.galeriacerrito.com/

Denise Fuglesang

VIDEO ARTE

Una de las formas más experimentadas de trabajar en las artes visuales desde la década del 60' es el video-arte. Desde hace un tiempo, los video-artistas están explotando al máximo las posibilidades tecnológicas que se les ofrecen. Incluso para la divulgación de sus producciones basta con tener una conexión de banda ancha y un hosting donde colocarlos en la red.
Además de ser una nueva posibilidad de arte que se ve claramente como cuestiona valores y reglas establecidos y presenta un nuevo punto de vista de los medios de comunicación masiva.
El video arte es una alternativa menos costosa a la producción cinematográfica y obviamente de duración mas corta.
Los temas tratados por los video-artistas son generalmente de problemáticas sociales o de realidades diferentes en cada cultura; muchas veces también se utiliza este método solo para transmitir aquello que el artista siente respecto de algún tema, se trata a su vez de poder unir la vida cotidiana con el arte. Se refuerza, de este modo, la visión y la postura que posee el artista respecto de algo.
En el caso puntual de esta presentación (que tuvo como exponentes a tres personas y a la curadora) siento que hubo momentos del debate en que se pudo ver que los personajes se desviaban un poco de las cuestiones a tratar debido a un debate mas de tipo personal, defendiendo lo que cada uno hacia, por decirlo de otro modo, por lo que se genero en un momento dado una tensión a la que los que estábamos presentes sentimos.
Por otro lado, mas allá del suceso, se tocaron temáticas con las cuales personalmente no estaba muy familiarizada, como ser el “software libre” si es o no es gratis y en que ayuda a la enseñanza, su forma de consumo, su costo, la estética que utilizan los diferentes programas (por ejemplo flash), también se dio un debate sobre la postura de los educadores, etc.
Por otro lado también se abordaron temáticas como la diferencia entre saber e información y cual de los dos es el que nos ofrece Internet y porque.
En mi opinión, algo que criticaría es el hecho que la curadora fuese de origen europeo, ya que las temáticas abordadas eran todas con respecto a la realidad latinoamericana, por lo que pienso ella no seria la mas experimentada, salvo que, el objetivo hubiese sido traer alguien de afuera para que nos mostrara como se ve nuestra realidad desde afuera. En este punto en especial pienso que los videos que se mostraron al ultimo por la curadora fueron un tanto “obsoletos”, al decir esta palabra me refiero al hecho de que las realidades que se muestran son un poco trilladas y no son las de todo el mundo, es decir, en América Latina no se vive así en todos lados, existen otras formas de vida que no se vieron expuestas, sino que se aboco mas al tema de la “desgracia”.
Por ultimo quisiera decir que mas allá de las criticas fue un evento el cual me aporto en el sentido de conocer estos movimientos, como se manejan y las cosas que nos pueden llegar a aportar.

PAULA MARTINEZ

EMILIO CENTURION

Nace en 1894 en Buenos Aires y muere en 1970. Realiza sus primeros estudios con el profesor italiano Moretti.
En 1911 se presentó al primer Salón Nacional, iniciando una larga vinculación con este evento anual, la que culminaría en 1935 con la obtención del Gran Premio de Honor por su obra "Venus Criolla" primer premio Nacional en el "X Salón de Primavera".
Activo docente, ocupó todos los niveles de la enseñanza, desde los colegios secundarios hasta el rectorado de la escuela "Manuel Belgrano". Permanente animador del ambiente cultural porteño, su taller fue siempre un centro de reunión de pintores, escritores e intelectuales. En 1936 fue convocado para integrar la Academia Nacional de Bellas Artes.
Al principio sus pinturas mostraban cierto realismo y naturalismo como. Luego, al realizar viajes de estudio a Francia, España e Italia, a Brasil y al norte argentino, incorpora el cubismo de los vanguardistas franceses, adoptando un estilo geométrico y cromatismo de valores grises.
A pesar de cambiar su estilo (naturalismo, cubismo hasta la abstracción) conserva siempre el orden y la calma propios de sus obras.
Sus temas: el desnudo, la figura-retrato, el paisaje, la composición y la naturaleza muerta. Pertenece al grupo de los vanguardistas. Es premiado con: el Tercer premio en el "Salón Nacional de Primavera" (1919), el Primer premio en el "Salón de Acuarelistas" (1925), el Premio Municipal en el "Salón Primavera" con Retrato de mujer, propiedad del Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori (1934), el "Gran Premio de Honor" en el "XXV Salón Nacional" con "Venus Criolla" (1935).Su obra plástica no aparece ligada a ningún "ismo". Centurión supo avanzar desde el costumbrismo de raíz hispana de sus comienzos hasta la adhesión a la lección cezanniana que asumió luego de su viaje a Europa en 1928. Pero tampoco le fue ajeno un cierto neocubismo que aparece en los años cuarenta y que desemboca finalmente en una abstracción no exenta de sensibilidad. Pero este amplio devenir de su capacidad creativa no aparece como un discurso fragmentado, sino como un todo coherente, y realizado por el común denominador de la calidad. Paralelamente desarrolló Centurión una amplia labor como retratista, especialidad en la que descolló en el Buenos Aires de su época.

PAULA MARTINEZ

¿ Que es El Video-Arte ?

El Video arte es un movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963, viviendo su apogeo en los años sesenta y setenta del siglo XX, aunque aún mantiene su vigencia. Experimentó las distintas tendencias de la época, como fluxus (con el que se relaciona especialmente), el arte conceptual, las performances o el minimalismo.

Es una de las tendencias artísticas que surgieron al hilo de la consolidación de los medios de comunicación de masas, y que pretendían explorar las aplicaciones alternativas y aplicaciones artísticas de dichos medios. Se usan medios electrónicos (analógicos o digitales) con un fin artístico. En él se utiliza información de video o audio. No debe confundirse con la televisión o el cine experimental). Una de las diferencias entre el videoarte y el cine es que el videoarte no necesariamente cumple con las convenciones del cine, ya que puede no emplear actores o diálogos, carecer de una narrativa o guión, u otras convenciones que generalmente definen a las películas como entretenimiento.

El videoarte es una alternativa más económica a la producción tradicional en cine. Es una propuesta más enfocada a personas que rompen con los parámetros comerciales y buscan un medio más económico pero no por este motivo con menos valor que las formas tradicionales de producción. Ha incidido en la producción de cortometrajes principalmente.

El videoarte ofrece muchas posibilidades distintas: Grabación de acciones: se incluyen los trabajos de artistas que difunden sus performances pregrabadas en el momento de sus intervenciones en directo. Este tipo de acciones, la mayoría de las veces, están orientadas a la recuperación de la noción de tiempo real.

Investigaciones sobre el espacio-tiempo. De ellas surge la idea de espacio, entendido como recorrido, y el tiempo, entendido como período.

Instalaciones de vídeo

Videoesculturas

Videoambientes

A modo de cierre podriamos decir que el Video-Arte un gran soporte capaz de facilitarle al artista expresar, reclamar, enfatizar, etc.; ideas, emociones, visiones de la realidad o bien de lo que interpretamos como realidad. Al vernos sumergidos en esta nueva ola de tecnologías, era inminente que apareciera una nueva forma de representación y elaboración del arte, la cual de algún modo facilite y de amolde mas a las necesidades y aspiraciones de esta generación de artistas.

"El videoarte es el pequeño momento en el que nos volvemos los ojos del artista..."

- GIUSTI LEANDRO - -

Obra excibida durante el mes de octubre en el Museo municipal de bellas artes, Dr. Genaro perez. ( Lanus y Hary 1905). Originalmente vivienda, se destacan, entre sus ricos materiales y detalles, la reja exterior y los paneles de Caraffa que decoran la sala principal. El mismo se hubica en la Av. General Paz 33. Cordoba - Argentina.

Benito Quinquela Martín
(1890-1970)
Día del Trabajo
Dibujo Coloredo
138 x 109 cm.
1968

Quinquela pintó por lo menos unas ocho obras que llevaban el nombre "Día de Trabajo", desde 1949 a 1972, todas ambientadas en La Boca, con la tarea que entonces hacían los changarines en los barcos.

Quinquela Martín es considerado el pintor de puertos -por excelencia- y es uno de los más populares pintores argentinos. Sus pinturas portuarias muestran la actividad, vigor y rudeza de la vida diaria en la portuaria La Boca, como asi lo refleja la pintura citada.

Se considera, perteneciente al Movimiento Neorealismo, arte social; ya que sus obras representan la vida de cada día. Pintó el trabajo del hombre común de su época, las calles del hombre común, los cielos de esos hombres y construyó, con un lenguaje sin hipocresías pero cargado de metáforas, día a día, una obra que lo convirtió en un artista singular.
El gris de la niebla y el negro del humo y del carbón que hasta entonces dominaban cromáticamente a la Boca fueron desalojados del barrio por la brillante inspiración de Quinquela, quien terminó movilizando a todo el barrio en su cruzada por el color. Es el pintor del Riachuelo, no solo por ser el primero que desarrolló su labor tratando los temas de la zona, sino por el carácter inconfundible de su obra. En telas de grandes proporciones reflejó escenas portuarias y de los astilleros, dándoles una fuerte expresión de actividad, de vigor, de aspereza, como muestra de la vida de las primeras décadas del siglo pasado en la zona boquense.

Como vemos en esta obra, la misma refleja a la sociedad obrera, la trabajadora la que día a día hace el grueso de la sociedad. Su pintura es testimonio de lo que él quería para su barrio y no podía tener, como era el trabajo y el color. Talvez porque de pequeño debió trabajar en el puerto es que claramente se ve reflejada su inclinación por demostrar en sus obras la dificultosa y honrosa labor de un trabajador poco asalariado. Talvez también a modo de homenaje y protesta es que los pinta. Pero lo que deja en claro en sus pinturas es que estas personas son el sostén de la sociedad, pinta lo que el deseaba, una sociedad laboriosa, en un país trabajador y con ansias de crecimiento. Claramente podemos leer que sus obras son un halago al trabajo, lo cual esta resuelto con un lenguaje de lectura simple y a travez de un muy buen uso y seleccion de colores.

- - GIUSTI LEANDRO -